Ante la mención del estilo Art Nouveau, aparecen en la memoria líneas extrañamente curvas, la ausencia de ángulos rectos y un entrelazamiento caprichoso de tallos, hojas, flores y frutos, revividos por insectos. Todos estos son rasgos característicos del movimiento floral del Art Nouveau, familiar para nosotros como Art Nouveau. El estilo se basa en el rechazo del arte ceremonial tradicional y en un intento de llevar la belleza de la naturaleza, las nuevas formas y tecnologías de producción a la vida cotidiana, haciendo de cualquier objeto una obra de arte. Los fundadores del estilo proclamaron la unidad del hombre y su entorno, incluido el interior, la arquitectura, el arte.
El estilo Art Nouveau, a diferencia de otros, está claramente limitado por el período de tiempo: finales de la década de 1880-1914. Sus características distintivas son:
- líneas suaves y extrañamente curvas (uno de cuyos trazos característicos se llama "latigazo") y superficies curvas,
- apagados, cercanos a los colores naturales: azul, blanco, beige, oliva, gris plateado, violeta pálido;
- iluminación tenue, atenuada por lámparas de vidrio de colores y vidrieras;
- el uso de materiales naturales y sus combinaciones: vidrio, piedra, cerámica, madera, metal, tejidos;
- el tema principal de la decoración es la naturaleza: paisajes, motivos vegetales y florales, insectos y pájaros.
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En la era moderna, el simbolismo tiene un papel especial. Cada dibujo no es solo una imagen, sino también el pensamiento del artista, expresado a través de símbolos, colores y composición. Las imágenes de flores y plantas llevan su carga semántica: la orquídea simboliza el esplendor, el lujo y el amor, el helecho - paz y tranquilidad, la rosa - la belleza de la vida, lirio - pureza y pureza, hortensia - modestia y sinceridad, iris - luz y esperanza, clemátide - ternura, cardo - coraje y fortaleza. El capullo, como símbolo del nacimiento de la vida, se está convirtiendo en uno de los elementos del dibujo más difundidos en el Art Nouveau.
A menudo se encuentra la imagen de una amapola, que denota la transición entre el sueño y la realidad, la vida y la muerte. Se prefieren las flores individuales a los ramos que fueron tan populares en siglos anteriores. Hay una moda de productos que imitan una flor en un vaso de agua.
El adorno está ganando especial popularidad debido a la imagen bastante reconocible pero condicional de las plantas. Las plantas acuáticas estilizadas con tallos y hojas estrechos y largos (lirios, nenúfares, juncos) le permiten crear el ambiente de un flujo de vida tranquilo. Las curvas de los contornos enfatizan la dinámica: el crecimiento y el movimiento de las plantas. Los extraños contornos de la flor, que contrastan con la linealidad de las hojas y los tallos, enfatizan su belleza y lujo: lirios, orquídeas, ciclámenes, crisantemos, rosas, etc. Iris se convierte en el emblema del Art Nouveau. A menudo usan imágenes de flores del bosque: lirios del valle, kupavka, dientes de león, cardos, acianos, centrándose en el encanto de la simplicidad y la vida cotidiana.
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El estándar del Art Nouveau fue el dibujo de Herman Obrist (1895), que representa un ciclamen con un tallo curvo ornamentado. El contorno característico de la curva incluso recibió su propio nombre, "el golpe del látigo", y posteriormente fue utilizado activamente por los artistas.
El movimiento floral art nouveau - Art Nouveau - se formó en Francia, sus principales centros fueron París y Nancy. París era el líder en arquitectura, Nancy, en artes y oficios (especialmente en la producción de muebles y vidrio). Según los cánones de estilo, el arte debe rodear a una persona siempre y en todas partes, cada objeto debe ser único al mismo tiempo. Estos mandamientos fueron seguidos por los maestros del Art Nouveau, quienes sentaron las bases para la difusión del nuevo estilo.
Uno de estos maestros fue el famoso arquitecto Emile Guimard. Hasta ahora, parisinos y turistas admiran la sofisticación y el laconismo del diseño de las entradas del metro parisino, creado según sus proyectos. Logró dar a las estructuras metálicas la forma de plantas vivas. Tales obras, "animadas" por la forma natural, se denominan organogénicas.
Las casas construidas según los diseños de Guimard en París y Schechtel en Rusia pueden servir como ejemplos de arquitectura Art Nouveau. Las exposiciones internacionales de París, que gozaron de una inmensa popularidad y prestigio, desempeñaron un papel fundamental en la promoción del estilo. El número de visitantes a las exposiciones de París alcanzó los 51 millones de personas. Una de las casas de Guimard, el hotel Beranger, se convirtió en el objeto de la exposición internacional de París en 1898.
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Y el pabellón de exposiciones de Bosnia y Herzegovina en 1900 fue diseñado por otro maestro del Art Nouveau: Alphonse Mucha, cuyos carteles teatrales con figuras femeninas con ropas sueltas y adornos florales se convirtieron en el canon del estilo.
El objetivo del Art Nouveau es crear un entorno de vida cómodo y hermoso. Es por eso que el diseño complejo de edificios del mismo estilo está de moda, desde el techo hasta el último clavo. El arquitecto diseña el edificio “de adentro hacia afuera”, primero dando forma al interior y solo luego pasando al diseño de la fachada del edificio, que a menudo se vuelve asimétrica.
La arquitectura y el interior están interconectados y unidos por una expresión de estilo común. Uno de los rasgos característicos de los edificios Art Nouveau son los paneles de mosaico de cerámica. Así es como suelen decorarse los frisos de las casas. Un estilo unificado de decoración de interiores conduce a la creación de conjuntos únicos, que incluyen techos, lámparas, paneles de pared, juegos de muebles y pisos de parquet.
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En algunos casos, los artistas, al crear un entorno de vida armonioso, desarrollan por completo no solo el interior, sino incluso la ropa del hogar de los propietarios. En esta ola aparecen figuras destacadas, que estaban sometidas a todo: desde la Catedral de la Sagrada Familia hasta el adorno del banco, desde el palacio hasta el cerrojo de la ventana en él..
Los muebles de este período se caracterizan por una gran cantidad de diversas plataformas (estantes, mesas y demás) para colocar elementos decorativos. Pero el Art Nouveau encontró su máxima expresión en la artesanía. La idea de crecimiento y desarrollo, clave en la filosofía del Art Nouveau, hace de las plantas el motivo más conveniente y expresivo para la decoración. Modern no se esfuerza por una imagen tridimensional, prefiriendo patrones planos extraños, lo que se ve facilitado por la convencionalidad aceptada de representar plantas.
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El vidrio se está convirtiendo en uno de los elementos decorativos más populares. En este campo, el francés Emile Galle y el estadounidense Louis Comfort Tiffany triunfaron y se hicieron famosos. La técnica de las vidrieras de Tiffany ha ganado una popularidad particular. La tecnología de unir piezas de vidrio de colores utilizando láminas de cobre ha hecho posible crear productos brillantes y exquisitos. Las obras únicas de Lalique y Fabergé dejaron una marca indeleble en el arte de la joyería de este período. Los huevos de Pascua de Fabergé "Trébol" y "Lirios del Valle", que invariablemente deleitan al público, son un ejemplo vívido de la tendencia floral del Art Nouveau. Toda la superficie del huevo de trébol es un adorno continuo de hojas de trébol.
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Emile Halle (1846-1904) estuvo a la vanguardia del Art Nouveau. Complementó la formación profesional de un diseñador con un profundo conocimiento de la filosofía y poesía del simbolismo, la botánica y la biología. Posteriormente, este conocimiento se plasmará en sus obras mediante detalles de la imagen de las plantas y una comprensión filosófica de la naturaleza. El conocimiento de la poesía del simbolismo le permitirá no solo sentir sutilmente, sino también tejer las líneas de sus poetas favoritos, C. Baudelaire, S. Malarmé, P. Verlaine, F. Villon, en sus productos, que le dieron fama. como el autor de "vidrio parlante".
Galle fue llevado a la cima de su gloria por sus jarrones hechos de vidrio laminado. En la Exposición Internacional de París de 1898, sus obras recibieron la medalla de oro de la exposición y su autor recibió la Orden de la Legión de Honor.
En los dibujos y ornamentos de sus obras, a menudo hay imágenes de paraguas, orquídeas silvestres, levkoi, enredadera, hojas de serbal y grosella, así como motivos orientales con ramas y conos de pino, sakura, pájaros y peces. En los jarrones de Galle, hay de 2 a 5 capas de vidrio de colores (generalmente tres), creando diferentes tonos.Se grabó la pieza de trabajo multicapa, como resultado de lo cual apareció un patrón translúcido tridimensional, como en los camafeos, que se perfeccionó mediante el grabado. Esta técnica de "camafeo de vidrio", que hizo famoso a Galle, se desarrolló a partir de la antigua tecnología china del vidrio laminado tallado. Los jarrones Halle son siempre pesados, con un disco pulido en la parte inferior, lo que le permite ver la estructura multicapa del producto. Las obras de Galle están llenas de paisajes románticos y adornos de flores, frutas, hierbas e insectos, creando juntos un patrón único, en el que la firma del autor está tejida orgánicamente. En 1900, Emile Halle había alcanzado la cima de su fama. Ni una sola casa que se precie, independientemente del nivel de riqueza, podría prescindir de sus productos. Galle dividió los productos de su fábrica en tres categorías: en serie, producidos en circulación industrial, a pequeña escala o "semi-lujosos" (semi-ricos), como se llamaba, producidos en pequeños lotes, y exclusivos (Piezas únicas - únicas productos) o "lujosos", hechos por él mismo por el propio Galle en una sola copia, como, por ejemplo, un jarrón con un dragón. La primera reina Isabel de Rumania fue fan y patrona de Galle, quien abrió una sucursal de su fábrica en Rumania. Jarrones únicos donados personalmente por el autor (como Edelweiss, Honey Cup, Paradise Muse, Moonlight) sentaron las bases para la colección de la casa real rumana. En el edificio del Estado Mayor del Hermitage de San Petersburgo se conserva una excelente colección de obras de Galle. Nicolás II y Alexandra Feodorovna también quedaron fascinados por la obra de Halle en 1896-1900. Los aposentos de la emperatriz estaban decorados con sus productos. Se sabe que ella seleccionó especialmente su escritorio para colocar un jarrón con clemátides, y Nicolás II recibió un par de jarrones con orquídeas rosadas como regalo de Lorena. Algunos de los productos de Galle, por orden de Alexandra Feodorovna, fueron engastados en plata por Fabergé. Los jarrones de Galle exhibidos en la Exposición Mundial de París de 1900 fueron adquiridos por el Barón A.L. Stieglitz, cuya colección después de la revolución aumentó los tesoros del Hermitage. La electricidad, una novedad de finales del siglo XIX, impulsó la nueva obra de Halle: las primeras pantallas y portalámparas de cristal. Realizados en la técnica de la marquetería o camafeo, retroiluminados desde el interior y dando una luz tenue, causaron sensación en el mercado. Gallé creó muchos modelos de lámparas de mesa en colaboración con Louis Majorelle, que hizo artísticos marcos para vidrio. En 1901, por iniciativa de Halle, se creó la Alliance Provinciale des Industries d'Art, que unió pequeños talleres locales que producían productos de artes decorativas y aplicadas, e impulsó el desarrollo de la industria del arte en toda la región. Posteriormente, la Alianza se llamará Escuela de Nancy (L'Ecole de Nancy), por el nombre de la escuela de arte de diseño, creada en la Alianza y existió durante más de 10 años. Con el tiempo, el nombre "Escuela de Nancy" se asoció con el centro de producción de productos Art Nouveau. El emblema de la escuela era la cruz de Lorena y el cardo, que simbolizaba la resistencia. La enorme variedad de obras de arte de alta calidad producidas por los miembros de la Alianza le ha valido a la Escuela fama en exposiciones internacionales y reconocimiento público en Alemania, Gran Bretaña, Bélgica, Italia, Estados Unidos y Rusia. El éxito de Halle fue contagioso. Su ejemplo fue seguido por los hermanos Alianza Dom, cuya fábrica de vidrio Daum Freres & Cie. Verreries de Nancy ”sigue floreciendo. En 1889, comenzaron la producción industrial de jarrones con diseños vegetales. Sus productos se distinguen por una imagen más naturalista. La lista de métodos de procesamiento era prácticamente la misma que la de Halle, la producción en masa solo carecía de la sofisticación de los tonos y desbordes de color. Los jarrones y lámparas de vidrio Cameo eran los más populares de toda su gama de productos. Habiendo alcanzado popularidad con la ayuda del vidrio camafeo, Galle no pudo evitar la creación de muebles. Debido a la complejidad del procesamiento, se creó solo como único o "semi-lujoso", según la gradación del propio Galle. Los muebles estaban hechos de palo de rosa, roble, arce, nogal, especies frutales: manzana, pera. El maestro dio preferencia a las especies de árboles locales que crecen en Lorena. Las incrustaciones en relieve con diferentes tipos de madera y el obligatorio procesamiento manual de los detalles distinguieron sus productos. Para la decoración, Galle utilizó motivos naturales, mariposas y libélulas. En su opinión, "La decoración del mobiliario moderno, estrechamente asociada a la naturaleza, no puede permanecer insensible a la nobleza de las formas naturales". Además de las incrustaciones, en sus obras aparecen muchos elementos tallados. La forma a menudo se vuelve asimétrica y las patas de los objetos por primera vez toman la forma de libélulas o ancas de rana, o están decoradas con adornos florales. 1909 fue el último año en que se exhibieron juntas obras de miembros de la Escuela de Nancy. El Art Nouveau, con sus piezas sofisticadas y caras que buscaban la exclusividad, dio paso a un estilo Art Deco más económicamente viable con la producción en masa de piezas de arte baratas. En 1964, se inauguró el Museo de la Escuela de Nancy. La mayoría de las exhibiciones del museo son ejemplos de muebles únicos, vidrieras y vidrieras Art Nouveau. El jardín del museo está decorado con la puerta de roble del taller Galle, realizada en 1897 por el ebanista Eugene Wallen. Está decorado con hojas de castaño talladas y el lema de Emile Galle "Mis raíces están en lo profundo del bosque", que refleja toda su obra. A finales de la década de 1990, la Escuela reanudó su existencia y 1999 fue declarado el año de la Escuela de Nancy. En 2013, la exposición “Emile Galle. Glass Rhapsody ”, donde se puede conocer la obra de Galle. Con el tiempo, la tendencia floral del Art Nouveau, que lleva las ideas de renovación y belleza en la vida cotidiana, comenzó a asociarse con el Art Nouveau en general. La imagen estilizada de flores y las líneas extrañamente curvas nos devuelven cada vez a la época de la Edad de Plata, brindándonos la alegría de comunicarnos con la naturaleza y el arte.
